Si tout le monde s’accorde à peu près sur les films relevant de l’Elevated Horror, en tout cas sur ceux qui ont fait naître ce terme comme ceux d’Ari Aster (Hérédité), Robert Eggers (The Witch), Jordan Peele (Get Out) et Jennifer Kent (Mister Babadook), noms qui sont d’emblée cités dans cet article, il reste à mon avis un certain flou sur ce qui les caractérise (ambition formelle, thématique ou les deux), et surtout leur appréciation varie beaucoup… Y compris au sein des mêmes individus, qui utilisent parfois le terme comme repoussoir tout en adorant certains représentants du genre. En tant que lecteur de longue date des Cahiers du cinéma, j’ai forcément été intrigué par leur manière de l’accueillir. Mais bien évidemment, c’est un peu compliqué car la rédaction de la revue compte des personnalités aux goûts parfois très variés. Et il lui est arrivé maintes fois de passer à côté d’un phénomène, quitte à prendre le train en marche de manière parfois un peu gênante comme avec The Matrix. Ainsi, s’ils ont immédiatement suivi Peele, ils ont totalement zappé Hérédité (2018) avant de se rattraper en consacrant une grosse critique à Midsommar (2019). Ils n’en ont dédié qu’une courte, plutôt sévère, à The Witch (2015), et si les films suivants de Robert Eggers ont bénéficié de plus de place, les avis étaient plutôt (très) mitigés… Mais globalement, ils ont souvent ignoré ou trouvé surestimés la plupart des succès commerciaux du genre, comme It Follows (2014) – l’un des plus « anciens » mine de rien. Du moins l’un des premiers de cette tendance pas si nouvelle.

Cela fait près de trois mois que je n’ai pas publié d’article sur mon blog, mais il faut dire que j’essayais de mettre en avant mon recueil de nouvelles, sans grand succès pour le moment. Avec un sens du timing toujours aussi mauvais, j’ai décidé d’exhumer (et de réécrire) un article consacré à Phénomènes (2008), rédigé apparemment entre septembre 2008 et juillet 2009. Je l’avais écrit en réaction à la critique des Cahiers du cinéma, plus mitigée que d’habitude envers un film de M. Night Shyamalan, même s’il a figuré dans plusieurs tops de la rédaction en fin d’année. Cela m’avait néanmoins attristé car, non seulement il s’agit d’un de mes cinéastes contemporains favoris mais, s’il y avait un film dont je serais fier d’être le réalisateur, c’est bien celui-là, sans aucun doute parce qu’il combine des thèmes (les Body Snatchers, la fin du monde) et des styles qui me passionnent… J’avais déjà fait allusion à cet essai dans mon article sur le zoom publié pour mon anniversaire de 2017, où j’expliquais que j’avais eu l’idée, « soufflée » par Quentin Tarantino, de rédiger une série de textes sur mes plans préférés de chaque année – mais je n’ai pas toujours réussi à en déterminer un à chaque fois. Il sera donc question du plan ci-dessus, mais aussi du film et de son auteur en général.

Silent Madness (1984)

Après A*P*E (1976) qui appartenait à la vaguelette Space-Vision, on arrive enfin à la deuxième « grosse » vague de la 3D, celle du début des années 1980. Mais elle n’a finalement pas été beaucoup plus longue que la première des années 1950, puisqu’elle a été lancée par Comin’ At Ya! (1981) et que le Silent Madness (1984) qui nous intéresse ici est l’un de ses derniers représentants… Mais elle a surtout compté, à ma connaissance, autrement moins de titres. Il faut dire qu’il s’est presque toujours agi de films d’horreur ou du moins de films de genre à petit budget, et avec une certaine appétence pour les effets de jaillissement très prononcés. Néanmoins, je trouve que certains valent vraiment le coup d’yeux comme Amityville 3D (1983). Silent Madness me semble lui bien plus dispensable, mais reste une sympathique curiosité, réalisée par le non moins obscur Simon Nuchtern. Comme souvent, le début du film est d’emblée inquiétant, déjà parce que les deux mots du titre apparaissent très près de nos yeux mais l’un tout en haut de l’écran, et l’autre tout en bas, mais aussi parce que le reste du générique est une nouvelle fois mal fichu ; il aura vraiment fallu attendre la troisième vague (et surtout le numérique) pour voir des textes correctement intégrés en 3D. Mais l’action commence toutefois de manière plus inattendue…

A*P*E (1976)

Entre les deux premières vagues (à défaut de raz-de-marée) des années 1950 et 1980, il y a eu, après les exceptions September Storm (1960) et The Mask (1961), une vaguelette basée sur la technologie Space-Vision. Initiée par le film d’horreur The Bubble (1966), elle permettait enfin d’enregistrer les deux images l’une au-dessus de l’autre sur une même pellicule, la rendant très économique… C’est ainsi qu’elle a servi à une poignée de films bien bis, comme le fameux Andy Warhol’s Frankenstein (1973) et ce A*P*E (1976) encore plus nanardesque. Surfant sur le succès des Dents de la mer (1975) mais devant surtout sortir face au remake de King Kong (1933) produit par Dino de Laurentiis, le film a dû changer de titre dans certains pays mais en a profité pour exploiter aussi la popularité de M*A*S*H (1970), aussi basé en Corée. Avec $23,000 de budget, il n’y avait en effet pas de quoi monter une coproduction avec le pays des kaijūs ; le réalisateur Paul Leder, père de Mimi ayant aussi œuvré dans le film catastroph(iqu)e, a dû se contenter du pays voisin qui lui a toutefois bien rendu avec participation de l’armée, des pompiers et de nombreux figurants – le final n’est pas loin du défilé du quatorze juillet…

The Mask (1961)

J’expliquais la dernière fois que September Storm (1960) était le seul film américain en 3D sorti entre la première vague du début des années 1950 et la vaguelette Space-Vision du milieu des années 1960 (qui préfigure la deuxième vague des années 1980), mais cela ne veut pas dire qu’il n’y en ait pas eu dans d’autres pays – comme vous êtes naïfs ! The Mask (1961) est d’ailleurs carrément le tout premier long-métrage d’horreur canadien et, s’il n’entretient aucun rapport direct avec le film qui a révélé Jim Carrey (qui est canadien cela dit), il y a tout de même quelques similarités troublantes… Ayant débuté sa carrière dans la publicité, le documentaire et même le film de propagande pour l’effort de guerre (y compris sous la forme d’une comédie musicale !), Julian Roffman a toutefois été blacklisté aux États-Unis dans les années 1950 pour avoir écrit des critiques dans un magazine communiste durant sa jeunesse. De retour au Canada, il a quasiment recréé à lui seule l’industrie cinématographique locale, alors assez inexistante depuis l’époque du muet. Sa première tentative au titre là aussi étrangement prémonitoire, The Bloody Brood (1959), sera toutefois un échec mais pas la seconde. Roffman était fier de The Mask et en particulier de la 3D, mais il aurait aimé rester dans les mémoires pour d’autres films. Il a hélas refusé par la suite des propositions de films d’horreur, et n’a pas tellement réussi à monter de projets plus personnels…